JorgeGL, la mente escénica detrás de algunos de los proyectos creativos más venerados de los últimos años, está en la cresta de la ola: su proyecto se ramifica con creces y sus obras independientes atraen la mirada de un público que, cada vez de forma más intensa, aclama su inteligencia e ingenio visual. Pero es complicado saber dónde tienen sus raíces este tipo de figuras cuando uno intenta descifrar esa mezcla perfecta entre provocación, belleza y concepto que define todo lo que toca.
Jorge comenzó compaginando la carrera de arquitectura con el modelaje, pero pronto comenzaron los contrastes que definirían su trayectoria a corto y largo plazo. Su apreciación del entorno le llevó a querer transformarlo, y su etiqueta de ‘artista multidisciplinar’ le permitió cambiar de enfoque y posicionarse detrás de las cámaras, imaginando un mundo a través de cortinas blancas y unas uñas pegadas a un ventilador.
Su método de trabajo y su lenguaje radican en la vanguardia. Ante el rechazo al hacer clásico de las artes gracias al incremento del uso de la tecnología, Jorge defiende lo que se puede hacer con lo que ya tenemos. No como inspiración, sino como punto de partida. Su obra, venerada en los últimos años como icono creciente del imaginario artístico alternativo, busca un tipo de retro muy concreto, erigido desde la contraposición entre las materias clásicas y contemporáneas. Pero no como el que le pone colágeno a la Mona Lisa, sino usando sombra de ojos de Carolina Herrera como maracas, y grabando el último videoclip de Ralphie Choo con una Blackberry.
Spur Ring, su último proyecto individual, no solo es otra demostración de la versatilidad de su ingenio, sino un ejercicio del arte más cercano a su corazón: la arquitectura. Su presentación le trae en conversación con ACERO sobre su trayectoria e inspiraciones, sus últimas y más resonadas colaboraciones y el método de trabajo que transforma la geometría de las espuelas.
¡Hola, Jorge! Bienvenido a ACERO. Antes de comenzar, me gustaría romper el hielo y conocer tu presente un poco mejor. ¿Qué te está moviendo creativamente estos días? ¿Algún artista, libro, corriente, música a destacar?
Últimamente sigo muy de cerca todo lo que hace Emilia Margulies. Es una set y spatial designer de París cuyo trabajo es impecable. Ha colaborado con marcas como Tom Ford o Ludovic de Saint Sernin. Estoy enganchado a la película Un Couteau dans le Cœur, y también me encanta lo que está haciendo la revista Carcy.
Tu trabajo se vuelve versátil dentro de las artes visuales, con diseño de escenografía, dirección de arte, o escultura entre otros muchos. ¿Cómo descubre uno este camino? ¿Cuál fue tu punto de partida?
Todo empezó cuando estaba estudiando arquitectura y comencé a trabajar como modelo. Fue en los rodajes donde descubrí que había personas dedicadas exclusivamente a diseñar y ambientar los sets que me rodeaban. Comprendí la importancia que tenía cada objeto frente a la cámara y me di cuenta de que eso podía ser una profesión. Al acabar el máster, comencé a asistir a diferentes directoras de arte y set designers sin parar, y poco a poco fui consiguiendo mis propios proyectos.
¿Cómo convergen las artes en tu proyecto?
En realidad, todo converge en la arquitectura. Es mi punto de partida y la base desde la que entiendo el espacio, la escala, la luz y la relación entre los cuerpos y los objetos. Desde ahí se desprende todo lo demás: la escultura, la dirección de arte y el diseño de sets. Aunque cambie el medio o el formato, siempre hay una misma búsqueda por construir atmósferas, por generar sensaciones a través de la forma y la materia.
“Todo converge en la arquitectura. Es mi punto de partida y la base desde la que entiendo el espacio, la escala, la luz y la relación entre los cuerpos y los objetos.”
La colaboración es también otro de tus puntos fuertes. Una trayectoria que incluye grandes nombres como Filip Custic o Judeline, entre otros. ¿Cómo eliges con quien compartir creativamente, y cómo modifica ese diálogo artístico tu forma de entender un proyecto?
En el caso de Filip nos hicimos muy amigos, y desde la amistad salió el crear juntos y ayudarnos a materializar proyectos de la mano. Siempre hace ilusión trabajar con personas que admiras, pero a Filip, aparte de admirarle como artista, le admiro como persona. Siento que mi profesión va muy ligada a otros creativos y hay personas con las que tu imaginario no encaja, pero con otras te entiendes a la perfección. Con la práctica vas aprendiendo a saber qué proyectos elegir y cuáles no dependiendo de ese factor.
Otro gran nombre, y reciente en tus proyectos, es el de Ralphie Choo. La dirección de arte del videoclip de Pirri ha sido muy comentada en la última semana: una habitación despejada llena de moqueta filmada a través de una Blackberry. El entorno de la dirección artística contemporánea, especialmente entre artistas del género urbano, emplea constantemente la contraposición de lo improvisado y lo hiperestilizado, empleando códigos visuales curiosos pero efectivos en lo atractivo de la imagen. ¿Cómo trabajas con ellos? ¿De dónde nace esta inspiración?
La inspiración nace del imaginario creativo de Fomotrauma, Puxxo y Juan. Ellos me lanzaron una propuesta y yo empecé a jugar con diferentes composiciones espaciales. Desde ahí, se fue construyendo la habitación de Pirri cuidando cada detalle: los altavoces Logitech sobre la mesa de madera, el acordeón, la foto de Juan en la pared, etc. Pensé hasta cómo el color de la funda del edredón dialogaba con el de la moqueta. Además, querían poner un armario de espejo en la habitación, así que aproveché unas puertas de armario empotrado que encontré para encajarlas en un hueco de una puerta corredera que ya había en el cuarto. Quedó tan bien que decidimos dejarlas ahí permanentemente. Cada decisión buscaba potenciar el espacio y generar una atmósfera lo más auténtica posible.
Las castañuelas hechas de maquillaje para Carolina Herrera también dieron que hablar. Siguiendo por la rama de entenderlo como un contraste entre lo analógico y moderno, lo tradicional y lo innovador, resulta en una idea y concepto un tanto vanguardista. ¿Cómo te vinculas con ello?
Me interesa ese contraste porque, en el fondo, viene de cómo entiendo la arquitectura. Siempre he defendido la idea de intervenir espacios ya existentes en lugar de construir desde cero; me atrae mucho esa mezcla entre lo clásico y lo contemporáneo. Es un poco como hacer una reforma moderna dentro de un edificio antiguo: respetar lo que ya hay pero transformarlo para darle una nueva lectura. Creo que esa forma de pensar se refleja también en mis esculturas, donde lo tradicional (el objeto) y lo moderno (su forma de multiplicarse) conviven para generar algo nuevo.
Es, además, una ya identificativa marca personal en tus proyectos. ¿Cómo encontraste tu lenguaje?
Siento que el lenguaje se construye a través de la práctica constante y la experimentación. Es un proceso de explorar lo que te interesa y tus referentes, probando distintas ideas y materiales, y descubriendo qué funciona y con qué te sientes realmente identificado. Con el tiempo, esto permite elegir proyectos, artistas y situaciones en los que tu lenguaje se define y se adapta. Pero sinceramente, aún me queda mucho camino por recorrer y muchas más cosas con las que experimentar para poder seguir definiendo mi lenguaje.
‘Artista multidisciplinar’ implica, como hemos comentado, la convergencia de doctrinas; pero denota que existe un talento innato que guía la intuición. ¿Cómo se equilibran ambas en tus proyecciones?
Equilibro técnica e intuición: mi formación y experiencia me dan las herramientas para materializar ideas, mientras que la intuición guía las decisiones creativas y los riesgos que tomo en cada proyecto.
¿Qué te inspira en la construcción de estos universos? ¿Cómo varía la misma según los proyectos a los que te enfrentas?
Me inspiran la moda, el diseño, las películas, el arte, mis amigas, la naturaleza, la arquitectura, etc. Muchas veces, cuando busco inspiración no la encuentro, pero de repente un día me inspiran cosas sin querer buscarlo. Tengo un disco duro con muchísimas referencias desde la carrera y está prácticamente lleno de imágenes de cosas que me han ido gustando a lo largo de todos estos años. Puedes encontrar desde campañas de Dsquared2, planos de TAKK Architecture o fotos de los dientes de un erizo de mar. Muchas veces entro ahí para buscar inspiración.
“Siempre he defendido la idea de intervenir espacios ya existentes en lugar de construir desde cero; me atrae mucho esa mezcla entre lo clásico y lo contemporáneo.”
¿Cómo dialoga tu obra cuando es compartida, en comparación con tu proyecto individual?
De momento siento que mi obra no se entiende del todo como tal y suele asociarse más con la dirección de arte y el set design. Me está costando mostrar que también hago esculturas y que puede ser algo independiente de las otras disciplinas. Entiendo que es un proceso que lleva tiempo, pero me encantaría que también encuentre su lugar y sea reconocido.
Tu trabajo, altamente visible en la construcción de Spur Ring, requiere de una reinterpretación de la propia naturaleza de los objetos. ¿Dónde está el límite entre la experimentación con el arte y el cuestionar lo que percibimos como real y establecido?
En esta obra no siento que haya un límite fijo: experimento reorganizando objetos cotidianos y creando nuevas formas que desafían nuestra percepción del espacio y el movimiento. La escultura parte de la realidad tangible de las espuelas metálicas, pero al disponerlas radialmente y jugar con la tensión entre planos, cuestiona cómo vemos y entendemos los objetos. Para mí, la experimentación y lo real conviven: la pieza propone nuevas lecturas sin perder su coherencia física.
Spur Ring, como ejemplo escultórico de entre tus proyectos individuales recientes, supone la elaboración desde cero. Entendiendo que no dista en grandes dimensiones del punto fuerte de la dirección artística, que también juega con la construcción del entorno y el uso del espacio, es cierto que la escultura requiere (pese a partir de algo tan básico como unas espuelas) de la confección en un plano distinto. ¿Qué libertades artísticas te proporciona, en comparación con el resto de las disciplinas en las que te mueves?
La mayor libertad es que al a ser obra propia no hay un cliente, un cantante o una marca a la que debo tener en cuenta a la hora de diseñar. Son piezas que creo desde cero donde el diseño viene desde mis inquietudes formales más genuinas.
¿Cómo se entrena la mirada artística para encontrar una posibilidad creativa tan amplia en objetos tan aparentemente mundanos, como pueden ser unas espuelas?
Sinceramente, todo parte de siempre pensar en 3D; es como entiendo las cosas. Incluso cuando hago planos en 2D, solo veo el volumen y me imagino cómo funciona en el espacio. Cuando veo el objeto, me imagino cómo puede funcionar en múltiples disposiciones. Hay veces que un objeto es mucho más atractivo formalmente cuando aparece multiplicado y se crean estructuras formales mucho más complejas.
La fotografía es otro arte conquistado en tu trabajo. La presentación de las obras juega un papel fundamental en el entendimiento de estas. No como herramienta, sino como una ampliación del discurso artístico. ¿Qué papel juega en la construcción final de tu universo visual?
Siento que es muy importante para generar narrativas visuales y trabajar la escala. Además, me gusta involucrarme en la dirección de arte y el diseño de los sets, asegurando que la presentación fotográfica de cada pieza refuerce su narrativa y su impacto visual. Por ejemplo, para Spur Ring, como estaba hecha de espuelas, fuimos a un veterinario de caballos que consiguió mi amiga Lechatelier. Los espacios que tenía eran increíbles y aportaron mucho al retrato de la pieza.
Para Magnetic Anchor, Felipe Huertas fotografió una historia ficticia sobre el robo de la pieza en un museo. En Metallic Sun, la obra se integró directamente en un videoclip de Villano Antillano y La Juicy. En este último caso, aunque se tratara de un vídeo, la presencia de personas en movimiento junto a la pieza permitía percibir claramente su escala y las cualidades espaciales que ofrecía. Me encantaría hacer una exposición con todas ellas, pero es algo que no se como funciona para la gente que nunca ha hecho una.
Para Magnetic Anchor, Felipe Huertas fotografió una historia ficticia sobre el robo de la pieza en un museo. En Metallic Sun, la obra se integró directamente en un videoclip de Villano Antillano y La Juicy. En este último caso, aunque se tratara de un vídeo, la presencia de personas en movimiento junto a la pieza permitía percibir claramente su escala y las cualidades espaciales que ofrecía. Me encantaría hacer una exposición con todas ellas, pero es algo que no se como funciona para la gente que nunca ha hecho una.
Has empezado recientemente a compartir tus procesos artísticos en redes sociales, mostrando el detrás de las escenas a través de TikTok. ¿Entiendes las redes como un espacio más para la experimentación artística, o como una necesidad para seguir en el presente? ¿Cómo te estás vinculando con la progresiva inmediatez del arte en los últimos años?
La verdad es que TikTok nunca me ha llamado la atención para subir contenido, pero desde que Instagram se ha vuelto tan profesional, justo lo estoy usando para subir mis proyectos de manera más desenfadada. Además, en mi trabajo se transforman los espacios de maneras tan interesantes que documentarlo y poder compartirlo para hacer a la gente espectadora del proceso me divierte bastante. Siento que los procesos son muy importantes y acercan más a las personas a la hora de entender lo que haces.
