Hay algo deliciosamente caótico en Coconutscankill, una energía que grita reconexión. Colores que chocan, estampados que se multiplican, pelo, sombreros y una colección que parece negarse a quedarse quieta. Pero detrás de esta saturación hay algo mucho más silencioso: la sensación de estar constantemente expuestos a estímulos, referencias e imágenes que terminan por desdibujar quiénes somos.
Con Halfway Done, colección presentada en la última edición de la 080 Barcelona Fashion, la diseñadora Amara Caruncho convierte ese brain rot en una especie de collage en movimiento, donde nada termina de cerrarse y todo puede volver a recomponerse. Hablamos con la mente que se esconde detrás de Coconutscankill para averiguar cómo ha conseguido desaturar esta niebla mental.
Esta colección ha sido tu debut en la semana de la moda barcelonesa. Ya has pasado por la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, showrooms y otros formatos. ¿Qué tiene la 080 Barcelona Fashion que no tengan las demás? ¿Se siente distinto el pulso, la mirada, la forma en la que se recibe la colección?
Sí, ha sido una experiencia muy distinta. El ritmo de la semana ha sido completamente diferente al de las ediciones que había vivido con la marca en Madrid. Además, esta edición venía marcada por el cambio de ubicación, así que había mucha expectación. Me sorprendió muchísimo la cantidad de gente que se acercó a la 080 y la acogida que recibimos. Poder cerrar el desfile celebrándolo junto al mar con todo el equipo fue muy especial. Y, además, la repercusión en medios fue increíble.
El tema que abordas en Halfway Done me parece realmente acertado; es muy interesante cómo consigues traducir esa pérdida de identidad en un mundo saturado de estímulos y convertirla en una crítica tangible. ¿Este concepto nace de algo que reconoces en ti misma, de haber sentido ese brain rot en primera persona?
Sí, el concepto del brain rot viene dado por la sensación de no ser capaz de estar tan presente como antes, de perderse entre tantas referencias y noticias que nos emboban y que nos insensibilizan ante tantos choques de realidad que estamos observando constantemente. No ‘eres’ y solo ‘estás’, entrando en un bucle constante en el que te conviertes en una esponja completamente permeable, que a su vez es un colador para todos estos ‘contenidos’ externos e infinitos que recibimos sin cesar (no puedo más).
La colección ha sido para mí una herramienta de reconexión conmigo misma, un medio para ‘regresar’. Volver a tu técnica, tu visión, tus referentes y analizar qué estaba dejando entrar y salir de mi cabeza tranquilamente. Aunque no se pueda luchar contra ello completamente, de vez en cuando es necesario hacer este ejercicio de introspección y ver dónde ponemos nuestra mirada en una época tan saturada como la actual.
La colección ha sido para mí una herramienta de reconexión conmigo misma, un medio para ‘regresar’. Volver a tu técnica, tu visión, tus referentes y analizar qué estaba dejando entrar y salir de mi cabeza tranquilamente. Aunque no se pueda luchar contra ello completamente, de vez en cuando es necesario hacer este ejercicio de introspección y ver dónde ponemos nuestra mirada en una época tan saturada como la actual.
Preguntar por la inspiración a un artista es un poco básico, pero me interesa saber qué influencias has tenido a lo largo de los años.
Es un imaginario que se basa en una mezcla a modo de collage que unifica todos los referentes que voy descubriendo a lo largo de mi vida. De alguna manera, al no saber dibujar de manera muy realista, creé un lenguaje propio a base de composiciones con formas, colores y recortes de imágenes que me gustaba fragmentar y recomponer una y otra vez.
Desde muy pequeña me han llamado la atención las composiciones de color imposibles, con formas abstractas o imágenes que tienden a lo surrealista y lo irónico. Entre ellas están Maruja Mallo, Cindy Sherman, el Bosco, Rei Kawakubo, Smerz, Sonia Delaunay, David Lynch, Christo, O’Keeffe, Bacon… pero van cambiando, no me caso con ninguno.
Tendríamos la parte de Coconutscankill, que es más intuitiva: color, sensaciones y texturas, unida siempre a la reflexión o preocupación que esté teniendo en ese momento.
Desde muy pequeña me han llamado la atención las composiciones de color imposibles, con formas abstractas o imágenes que tienden a lo surrealista y lo irónico. Entre ellas están Maruja Mallo, Cindy Sherman, el Bosco, Rei Kawakubo, Smerz, Sonia Delaunay, David Lynch, Christo, O’Keeffe, Bacon… pero van cambiando, no me caso con ninguno.
Tendríamos la parte de Coconutscankill, que es más intuitiva: color, sensaciones y texturas, unida siempre a la reflexión o preocupación que esté teniendo en ese momento.
“La colección ha sido para mí una herramienta de reconexión conmigo misma, un medio para regresar.”
Hablas de fragmentación, de recuerdos rotos, de algo que se queda “a medias”. ¿Dirías que diseñas desde esa ‘incompletitud’ o buscas cerrarla en algún punto, aunque sea solo por un instante en pasarela?
Repitiendo esta idea del collage, me gusta pensar en algo que siempre pueda seguir completándose, que permanezca abierto y en constante evolución. Al final es una idea infinita que nunca llega a cerrarse del todo, un poco como el propio proceso creativo: realmente no tiene un final, simplemente decides parar en algún punto antes de volverte loca. Busco que se vea esa contraposición de elementos que aturden o apabullan al espectador, como un punto de máxima intensidad antes de seguir expandiéndose. Algo completamente cerrado me agobia; esa sensación de continuidad y de expansión total es algo que está muy ligado a mi forma de entender el proceso creativo.
Mantienes tu esencia intacta en cada colección. Veo un uso muy variado de estampados: de jirafa, de rayas, cuadros de muchos tamaños, polka dots, pata de gallo, florales… Y, en cuanto al color, más de lo mismo: rojos, grises azulados, marrones, combinaciones de azules con amarillos, violeta en las medias, incluso fucsia; todo muy vivo, muy abierto. Aparte de los tocados, el pelo, presente en muchos looks, eleva el conjunto y le da una identidad muy marcada. ¿Cómo consigues que toda esa aparente saturación no se desborde, sino que respire como un universo coherente y tan tuyo?
Siempre he trabajado con esta saturación de elementos, como un puzle que va sumando piezas, lo que hace que, de alguna manera, siempre tenga sentido. La construcción con color la realizo de manera muy intuitiva, por lo que tampoco sabría explicarte cómo lo hago. Es la base y la esencia de la marca.
Por otro lado, no podemos olvidarnos del trabajazo que ha hecho Cara Cano, que ha conseguido curar todo el styling y consultancy de la colección, de manera que todo encaja y sube de nivel. Ese caos creativo que tengo ha encontrado un equilibrio y otra presencia gracias a su mirada. Trabajar con ella ha sido un privilegio enorme, tanto a nivel profesional como personal. Soy muy fan.
Por otro lado, no podemos olvidarnos del trabajazo que ha hecho Cara Cano, que ha conseguido curar todo el styling y consultancy de la colección, de manera que todo encaja y sube de nivel. Ese caos creativo que tengo ha encontrado un equilibrio y otra presencia gracias a su mirada. Trabajar con ella ha sido un privilegio enorme, tanto a nivel profesional como personal. Soy muy fan.
Los sombreros dramáticos y el pelo tienen casi una presencia escultórica. ¿Piensas el look como una silueta que invade espacio más que como una prenda en sí?
Poder contar con los sombreros de Sideara ha sido una pasada. Le han dado a la colección ese punto de misterio y dramatismo que contrastaba muy bien con la parte más fun de las prendas. Me encanta ese juego de opuestos: femenino frente a masculino, lo más contenido frente a lo que está a punto de explotar.
Y ahí, el trabajo de styling de Cara Cano, junto con el key hair & makeup design de Isabella Ching, fueron claves. Consiguieron que todos estos elementos convivieran de una forma muy natural, sin que nada se sintiera excesivo. Todo estaba muy medido, pero manteniendo esa tensión de estar siempre al límite, sin perder ese punto más desenfadado.
Y ahí, el trabajo de styling de Cara Cano, junto con el key hair & makeup design de Isabella Ching, fueron claves. Consiguieron que todos estos elementos convivieran de una forma muy natural, sin que nada se sintiera excesivo. Todo estaba muy medido, pero manteniendo esa tensión de estar siempre al límite, sin perder ese punto más desenfadado.
Hay algo muy potente en esa mezcla de materiales ‘fuera de lugar’, casi como si no debieran convivir. Pero funcionan. Cada conjunto da una vibra distinta: la de haber salido de casa con prisas para ir a una entrevista de trabajo, volviendo de una fiesta en la madrugada después de bailar durante horas o incluso para asaltar un barco de piratas. Esta percepción es muy personal, pero ¿buscabas captar una gran variedad de, digamos, arquetipos?
Creo que no va tanto de la creación de un arquetipo, sino de una concepción mucho más conceptual en general. No suelo pensar en este tipo de personajes individuales a la hora de crear. Pero sí que hay choque, contraposición de muchas energías y actitudes diferentes, que es lo que has captado a la perfección.
¿Te interesa más el choque o la reconciliación entre esos elementos?
Lo visualizo como algo mucho más fluido y no como elementos separados que conforman algo en conjunto. Los looks forman parte de este todo.
Trabajaste con varias colaboraciones: Errres en knitwear, Sideara en sombreros, UNOde50 en joyería. ¿Cómo se negocia tu universo con otras miradas sin que pierda intensidad, sino que se expanda?
Tengo la suerte de haber trabajado siempre con gente que quiere entrar en el proyecto de manera dialogante y colaborativa, además de ser siempre gente majísima ;) Me divierte mucho trabajar con otros creativos, siempre suma. Trabajamos diseñando conjuntamente, por lo que, al tratarse de una conversación y una colaboración constantes, se mantiene la dirección creativa sin problema.
“La moda puede ser una herramienta política y social, pero esto depende mucho de cada diseñador o marca.”
La invitación ya era una pista: algo incompleto que el espectador tiene que terminar. ¿Hasta qué punto te interesa que quien consume Coconutscankill participe activamente en el significado de la colección?
El diseño de la invitación, a cargo de Apn Works, consistía en un juego de unir puntos que revelaba el título de la colección: Halfway Done. Me ha parecido divertido que fuese un elemento que interactuase con el público. Siempre hay algo en las presentaciones de la marca que invita a entrar de lleno en cada concepto, a formar parte de él. Es un pequeño guiño que forma parte de la identidad de la marca y que mantiene ese punto más fun.
En un momento en el que todo parece estar hiperexpuesto, casi nada se siente auténtico y solo se usa como contenido, la moda sigue encontrando formas de decir cosas sin decirlas de manera literal. Muchas veces funciona como un lenguaje paralelo: habla de identidad, de contexto social, de tensiones culturales, incluso cuando parece puramente estética. ¿Sientes que, en tu caso, la moda es una herramienta consciente de crítica, rebeldía o denuncia? ¿Qué papel crees que sostiene esta industria, o debería sostener?
Claro que creo que la moda puede ser una herramienta política y social, pero esto depende mucho de cada diseñador o marca. Me gusta este enfoque siempre que esté bien balanceado con la propuesta estética y también tenga un sentido un poco irónico. Creo que al principio buscaba ‘gritar’ más estos conceptos políticos y culturales. E incluso me sobreexplicaba y buscaba que fuese muy obvio. Sigo teniendo esa necesidad de buscar el significado y relatarlo de manera crítica, pero con los años voy hacia una conversación más sensorial, quizá no tan evidente, pero que siempre estará ahí.
Hablas de desconexión digital y de esa lentitud mental generada por el exceso de estímulos, pero, al mismo tiempo, la moda también forma parte de ese flujo constante de imágenes, de consumo visual inmediato. ¿Desde dónde te posicionas tú dentro de ese equilibrio? ¿Sientes que tu trabajo dialoga con ese sistema, lo cuestiona desde dentro, o que de alguna forma intenta abrir un pequeño espacio de pausa en medio de todo ese ruido?
Creo que es imposible escapar a ciertos códigos, ya que participamos activamente dentro de los formatos que usan las industrias creativas, pero es importante poder reflexionar y darnos cuenta de dónde estamos y cómo participamos en ello. El ritmo que llevamos actualmente no es muy acelerado, una propuesta de desfile al año con alguna cápsula extra y customs. Igualmente, la presión por no parar y seguir sacando equis referencias y que la atención no se vaya en ningún momento está ahí (pero ahora mismo en cualquier industria está presente). Al fin y al cabo, la moda nace del concepto de la muerte (Giacomo Leopardi). Nacer y morir es una transformación constante (sin la caducidad muere el deseo). Debemos buscar maneras de llegar a este deseo sin producir tanto ni llegar al desgaste total.
Halfway Done sugiere algo inacabado, pero también abierto. Si tuvieras que continuar esta colección, ¿hacia dónde evolucionaría: más colapso o más claridad?
Creo que hacia el colapso total, pero aceptándolo por completo y no ejerciendo ninguna resistencia a él. Siempre he pensado que para poder crear cosas nuevas necesitamos destruir todo lo anterior, y con esos pedazos que nos queden poder seguir reconfigurando nuevas historias, sin perder la esencia y volviendo a la claridad.
