Pasarela Barreira 2026

Para esta colección busqué que las prendas reflejaran el trabajo artesanal y técnico característico de la cultura Paracas. Los tejidos, los bordados y las diferentes técnicas de manipulación textil fueron elementos fundamentales dentro del proceso creativo. Asimismo, opté por una paleta reducida tanto de colores como de materiales, en coherencia con la inspiración y con la intención de reforzar una identidad visual sólida y atemporal.
Donde sí decidí explorar con mayor libertad fue en el patronaje. Si bien las técnicas constructivas de la época eran relativamente sencillas, quise reinterpretarlas desde una perspectiva contemporánea mediante el uso de mangas murciélago, estructuras más complejas y juegos de volumen. La investigación fue clave para tomar decisiones de diseño como la incorporación de asimetrías y siluetas volumétricas, recursos que enriquecieron el discurso de la colección. Considero que este conjunto de decisiones permitió que Éon adquiriera una identidad propia y que las prendas pudieran comunicar el concepto de forma autónoma.

Mi paso por la escuela y estos cuatro años de formación han sido profundamente enriquecedores. Sin duda, ha habido una evolución muy significativa tanto en mi manera de diseñar como en la forma de abordar los proyectos. Uno de los aprendizajes más valiosos ha sido la capacidad de conceptualizar una idea y transformarla en una propuesta creativa coherente y sólida. Además, a lo largo de la carrera se desarrolla algo esencial para cualquier diseñador: la construcción de una identidad propia. Descubrir qué tipo de diseño te representa y qué lenguaje visual deseas desarrollar es un proceso fundamental. En mi caso, Éon es el resultado de esa evolución, donde convergen la investigación, la creatividad y una visión más madura de la moda.

Vivimos en una época marcada por la inmediatez y la digitalización, donde el trabajo manual adquiere un valor especial como forma de conexión con lo físico y lo emocional. La artesanía no solo representa una técnica o un lujo, también constituye una manifestación de identidad cultural y de memoria colectiva.
El desarrollo de esta colección me ha permitido comprender profundamente la importancia de los procesos artesanales y del tiempo invertido en cada detalle. Trabajar directamente con los materiales, experimentar con las técnicas textiles y construir las prendas desde el taller me ha aportado una perspectiva mucho más cercana y consciente del diseño. Es una experiencia que me deja un aprendizaje invaluable y que reafirma mi interés por preservar y visibilizar este tipo de saberes.

El apoyo de los docentes de moda fue fundamental durante todo el proceso. Al enfrentarse a un proyecto de esta magnitud, es normal que surjan dudas e inseguridades, pero contar con una guía constante permitió que cada reto se transformara en una oportunidad de mejora. Recibí asesoramiento tanto en el desarrollo conceptual como en los aspectos técnicos de la colección. Realicé diversos ajustes en las técnicas de construcción de las prendas y en las estructuras que empleé, lo que contribuyó a reforzar la calidad y coherencia del resultado final. Asimismo, el feedback constante fue clave para consolidar la identidad visual de Éon y llevarla a un nivel más sólido y profesional.

Este reconocimiento supone una gran oportunidad de visibilidad en un momento clave de mi trayectoria profesional. Como diseñadora que se incorpora al mundo laboral, el acceso a nuevas redes de contacto, profesionales del sector y posibles colaboraciones amplía considerablemente las oportunidades de crecimiento.
Además, uno de los principales objetivos de mi trabajo es contribuir a la difusión y valoración de la artesanía precolombina. Este premio representa un paso muy importante para dar visibilidad a esa investigación y acercarla a un público más amplio. Considero que permite que un proyecto académico trascienda el ámbito educativo y comience a construir un posicionamiento real dentro de la industria.

A futuro me gustaría desarrollar un proyecto propio y consolidar una firma con identidad propia. Sin embargo, en esta etapa de mi carrera considero fundamental continuar aprendiendo, explorar diferentes áreas de la industria y descubrir con mayor profundidad aquello que realmente me apasiona. La formación y el aprendizaje constante son, para mí, algunos de los aspectos más valiosos del crecimiento profesional.
Lo que sí tengo claro es el tipo de moda que deseo defender. Aspiro a construir una marca que se convierta en un referente dentro de la industria, diferenciándose de los modelos de producción acelerada del fast fashion. Me interesa crear una moda atemporal, sofisticada y emocional, donde el diseño, la artesanía y la identidad cultural ocupen un lugar central.

Mi referente personal fue una caja de mi padre con muchas fotografías, cartas de mi abuelo, objetos personales que mi abuela conservó durante años y que luego de su muerte pasaron a manos de mi padre. A partir de esa caja comencé a investigar sobre la memoria y los recuerdos, sobre la manera en que una fotografía o una carta puede activar historias y rostros, recordando con claridad el momento capturado. Pero también en fotografías muy antiguas, en las que ya no se puede identificar a personas que aparecen en ella debido a que pertenecen a las memorias de otros que ya no existen.

Para lograr esas siluetas, el conjunto del epistolario, que es el segundo look, y el relicario, que es el tercero, partí de la caja y tomé como referencia los elementos antiguos: los camisones, los corsés, la lencería, el encaje y el satén entendidos como elementos íntimos y antiguos que recuerdan a la nostalgia. Para el primer look tomé como referencia una ilustración de Rebecca Daumetrer del libro Princesas olvidadas o desconocidas, principalmente a la princesa Amnesia, esta princesa sufre olvido perpetuo. En su cabeza tiene un tocado con agujeros circulares enormes, me inspiró para hacer la chaqueta.

La propuesta se estructura a partir de tres elementos a través de los cuales reconstruimos nuestras memorias: las fotos, las cartas y objetos personales. Las fotografías tienen imágenes sublimadas, son fotografías en las que colaboré con @jestophoto, él me prestó algunas para poder usarlas. Las cartas, tomé un poema de Mario Benedetti, El olvido está lleno de memoria, y lo transferí en el corset y la falda. Los objetos como colgantes o collares, cada uno de ellos conserva una gran carga emocional y funciona como un archivo del pasado, capaz de guardar experiencias, vínculos y recuerdos.

Mi propuesta se aleja de la idea del estilismo como una imagen rápida destinada únicamente al consumo en redes sociales y apuesta por objetos que invitan a detenerse, observar y descubrir detalles. El peso de los materiales se defendió a través de tejidos como el satén, los encajes y las fotografías sublimadas sobre tela, fueron materiales seleccionados por su valor estético y por su capacidad para evocar intimidad y nostalgia. Su movimiento estuvo presente mediante el uso de siluetas fluidas, camisones lenceros y capas superpuestas. La imperfección analógica se convirtió en un elemento esencial del proyecto; son fotografías movidas, distorsionadas, el poema estaba desdibujado, algunas palabras casi borradas, reivindicando el proceso del olvido y el paso del tiempo.

Me pareció muy acertada, ya que tanto la escenografía como el concepto planteaban un ambiente neutro. En el caso de El arte de olvidar, esa sobriedad reforzaba la atmósfera melancólica y nostálgica del proyecto. La interacción entre la propuesta y la escenografía permitió poner en valor lo artesanal y lo humano. Mientras las prendas hablaban de las memorias que se transforman con el paso del tiempo, los recuerdos y objetos, el espacio recordaba que detrás de cada creación existe también una historia, unas manos que trabajan y un proceso imperfecto.

La verdad que no me esperaba para nada ganar el premio, no entendía cómo había ganado. Pero este feedback me hizo pensar mucho en que hay personas que sí conectan y comprenden mi universo. Al tratarse de un tema complejo de entender, o tal vez muy personal, porque para mí, la memoria es algo que me atraviesa todo el tiempo.
Hace casi dos años que me vine a vivir a Europa a cumplir mis sueños, y conservar cartas, fotografías, videos y recuerdos físicos me ayuda a revivir momentos y a sentirme más cerca de mis seres queridos. Que un jurado experto y la prensa especializada hayan valorado un trabajo construido desde esa experiencia tan íntima reforzó mi confianza como creativa. Es por eso que la pasarela Barreira es un evento fundamental para visibilizar el rol de un estilista, porque permite mostrar que el estilismo no se limita a acompañar una imagen desde lo estético, sino que también construye discursos, comunica ideas y genera relatos con identidad propia.

Ahora, con esta gran oportunidad, me gustaría aprender y explorar otros lenguajes creativos, especialmente en el ámbito audiovisual, la dirección creativa y la fotografía. Son disciplinas que siempre me interesaron y es por eso que elegí estudiar estilismo, porque abarca todo, no solo la ropa sino la dirección creativa.

No me esperaba ganar un master, no tenía pensado hacerlo, pero si me dan esta oportunidad seguiré formándome y buscando mi camino, que aún no tengo en claro lo que quiero hacer. Solo sé que me gusta este mundo de la moda y voy a disfrutar de este camino de probar cosas nuevas.

Rompiendo los cánones de belleza. Vértigo es una colección que interpreta un estado psicológico mediante piezas que pueden traducirse a jaulas emocionales por su forma y estructura. A esto se suma una profunda investigación en la materia. Utilizo la oposición de texturas para reflejar el conflicto interno, donde materiales rígidos actúan como blindaje frente al exterior, mientras que los tejidos livianos dejan entrever la fragilidad de él y la vulnerabilidad que se esconde debajo. Con esto he querido obligar al espectador a enfocarse en el volumen de la prenda y no el del cuerpo en sí.

Para mí, el reto estaba claro, no quería hacer simples adornos que se ponen al final para que un look quede bonito. Quería que el complemento fuera el origen de todo, el que llevara todo el peso de la historia.
Mi investigación empezó al sentir en mi propia piel un TCA. Cuando sufres esto, tu mente cambia las proporciones, te hace ver un volumen e imagen irreales y te encierra en una especie de laberinto. Por eso mi proceso consistió en buscar cómo trasladar esa confusión de la mente a las formas de las piezas. Experimenté creando volúmenes que no siguen las líneas naturales del cuerpo, sino que generan su propio espacio, distorsionando la silueta real para que quien lo observe sienta esa misma impresión.
Al final, al poner todo el foco en la pieza, logré que dejara de ser algo decorativo. Pasó a ser un escudo, un refugio físico que mide la distancia entre lo que nos duele por dentro y cómo nos mira el mundo. No es indumentaria diseñada para adornar ni encajar, sino un manifiesto en contra de los cánones impuestos por la sociedad.

Mis primeras decisiones técnicas nacieron de la necesidad de que la materia hablara por sí misma. No buscaba tejidos que cayeran de forma sutil, sino materiales con peso y estructura que forzaran una distancia real entre la piel y el exterior. La clave estuvo en romper con el patronaje tradicional. En lugar de moldear las piezas para que se adaptaran a las líneas naturales de la figura, experimenté con cortes y soportes internos que proyectaran el volumen hacia fuera, creando un espacio propio e independiente alrededor del cuerpo.

Ver la colección cobrar vida en La Rambleta fue una experiencia necesaria. Hoy en día, las redes sociales se han convertido en ese espejo distorsionado a gran escala, son pantallas que actúan como un filtro donde los cánones de belleza se vuelven cada vez más irreales e inalcanzables, atrapándonos en una búsqueda constante de la perfección digital. Romper ese cristal y llevar las piezas al espacio real significó todo lo contrario.
En la pasarela no había filtros ni retoques, la distorsión visual de mis diseños no buscaba encajar en una pantalla de móvil, sino obligar al espectador a mirar de frente el volumen real, el peso de los materiales y la imperfección de la figura. Fue la oportunidad de transformar esa presión digital en una experiencia física y humana, demostrando que la verdadera belleza y el refugio que buscamos solo existen cuando nos despegamos de las pantallas y habitamos entre el mundo real.

Lo más valioso de trabajar con Betto García fue que, en lugar de intentar cambiar mi visión, me empujó a defenderla con más fuerza. Su mirada experta me ayudó a confiar en mi propio criterio y a hacer que las piezas destacaran por lo que realmente son, sin diluir el mensaje. En lugar de imponer su estilo, me dio las herramientas para potenciar la puesta en escena desde mi propia identidad. Consiguió que cada volumen y cada decisión que tomé en el taller se viera con total claridad bajo los focos, logrando que la colección se presentara de una forma muy pura. Su apoyo fue clave para que Vértigo saliera a la pasarela siendo cien por cien mía, con toda mi esencia y mi verdad.

El verdadero punto de inflexión ha sido darme cuenta de que mis piezas no se quedan en una simple fantasía o en algo que solo funciona en un post de Instagram. Salir a una pasarela real te enseña a ver cómo reacciona la gente de verdad cuando tiene tus diseños delante, sin filtros de por medio.
La mayor ventaja que me llevo es la seguridad. El mercado da vértigo y la industria puede parecer fría, pero ver que una colección tan personal y con tanta carga emocional conecta con el público me ha demostrado que hay un espacio real para lo que hago. Me ha servido para perder el miedo a lanzar mi marca, sabiendo que se puede hacer moda de autor siendo fiel a una misma y a tu propia verdad.

Este premio es un impulso increíble y un orgullo enorme, sobre todo porque premia el trabajo hecho a mano y el tiempo invertido en cada pieza. Me demuestra que el camino que he elegido para Vértigo vale la pena. Mis siguientes pasos van a ser seguir buscando y aprendiendo. El curso que viene me voy a Londres a continuar con mi formación. Quiero descubrir nuevas formas de trabajar, probar otros materiales y abrir la mente en una ciudad donde el diseño se vive de otra manera. Para mí, ganar esto no significa parar aquí, sino todo lo contrario, es el empujón definitivo para llevar mi marca más allá, con más fuerza y con las ideas todavía más claras.